viernes, 14 de diciembre de 2012
viernes, 23 de noviembre de 2012
lunes, 12 de noviembre de 2012
sábado, 10 de noviembre de 2012
Out Getting Ribs - Zoo Kid/King Krule
Hate runs
through my blood
What matter
are words in love
But my
heart always left above
I've gotta
believe you now
I thought
I'd never be sure about
But girl,
I'm black and blue
So beaten
down for you
Well, I'm
beaten down and blue
Don't break
away
I'll waste
away
Don't break
away
Lay me out
across the grey
Hours I
should have kept at bay
I had no
choice to get away
I can't
escape my own mistake
Even more
when it's sweet to the taste
Red stairs
lead astray
I look up
and see for faith
But girl,
just lean over and say
"Lay
me down"
And hear me
out
Take my
crown
Submerse me
down
But wait
I make my
last request
Yours could
be the best
But I need
to rest
Well I've
been broken down
So much has
lost it now
I just
wanted to say
Girl, don't
you worry 'bout a thing
Girl
Baby, please
jueves, 8 de noviembre de 2012
domingo, 4 de noviembre de 2012
lunes, 8 de octubre de 2012
Los principios de la estética Zen
Los principios de la estética Zen se derivan de las creencias del budismo Anicca o la impermanencia donde “todo, sin excepción, está en constante flujo, incluso los planetas, las estrellas y los dioses”.
Los siguientes son los principios:
Fukinsei
(desequilíbrio)
La asimetría, los números impares, la irregularidad, desigualdad, el desequilibrio se utiliza como una negación de la perfección de la perfección y la simetría no se produce en la naturaleza.
Kanso
(simple)
Eliminación de ornamentaciones y expresión de las cosas simples de la naturaleza expresadas con veracidad. Franco y sin complicaciones.
Kokou
(austera)
Lo básico y escencial que debe conservarse. Evoca severidad, prohibición, la madurez y el peso.
Shizen
(natural)
La creatividad en bruto, natural y espontánea, sin pretensión. La verdadera naturalidad niega lo ingenuo y accidental.
Yugen
(sutil, profunda)
Sugerir y no revelar las capas de significado oculto en el interior. Invisible para el ojo casual y evitar lo obvio.
Datsuzoku
(mundanas)
La trascendencia de convenciones y tradiciones. Libre de las
ataduras de las leyes y restricciones. La verdadera creatividad.
Seijaku
(tranquilo)
El silencio y la tranquilidad, la soledad gozosa. La ausencia de perturbación y el ruido de la mente, cuerpo y entorno.
Ver-Comunicar-Memori
"hay dibujos que studian lo visible, otros muestran y comunican ideas y por último, aquellos que hacen memoria"
domingo, 30 de septiembre de 2012
«Vanitas vanitatum omnia vanitas»
Vanitas es el término latino, que puede traducirse por vanidad, que designa una categoría particular de bodegón, de alto valor simbólico, un género muy practicado en la época barroca, particularmente en Holanda.
Su título y su concepción se relacionan con un pasaje del Eclesiastés: «Vanitas vanitatum omnia vanitas» («Vanidad de vanidades, todo es vanidad»). El mensaje que pretende transmitir es la inutilidad de los placeres mundanos frente a la certeza de la muerte, animando a la adopción de un sombrío punto de vista sobre el mundo. Es, al mismo tiempo, un elemento esencial en el surgimiento del bodegón como género individual.
Su título y su concepción se relacionan con un pasaje del Eclesiastés: «Vanitas vanitatum omnia vanitas» («Vanidad de vanidades, todo es vanidad»). El mensaje que pretende transmitir es la inutilidad de los placeres mundanos frente a la certeza de la muerte, animando a la adopción de un sombrío punto de vista sobre el mundo. Es, al mismo tiempo, un elemento esencial en el surgimiento del bodegón como género individual.
viernes, 7 de septiembre de 2012
Manifiesto o culto al hacer
- Hay tres estados ser. No saber, acción y finalización.
- Acepta que todo es un borrador. Ayuda a hacer las cosas.
- No hay ninguna fase de edición.
- Pretender que sabes lo que estás haciendo es casi lo mismo que saber lo que estás haciendo así que acepta que sabes lo que estás haciendo aunque no lo sepas y hazlo.
- Destierra la procrastinación. Si esperas más de una semana para realizar una idea, abandónala.
- La idea de hacer las cosas, no es finalizarlas, si no poder hacer otras cosas.
- Una vez hecho, puedes tirarlo.
- Riéte de la perfección. Es aburrida y te aleja de hacer las cosas.
- La gente que no se pone en marcha y trabaja está equivocada. El hacer algo es lo correcto.
- El fracaso cuenta como que lo has hecho. Haz errores.
- La destrucción es una variante de lo que has hecho.
- Si tienes una idea y la publicas en internet, eso cuenta como una fantasma de algo hecho.
- Haberlo hecho en sí, es el mayor motor.
jueves, 23 de agosto de 2012
sábado, 28 de julio de 2012
Los cortometrajes de David Lynch
El genial David Lynch cumple años hoy. Sesenta y tres para ser exactos. Y a modo de personal homenaje, quería aproximarme a sus trabajos cinematográficos menos conocidos, algunos cortos que evidencian la esencia y fascinante visión del polifacético artista. Una aproximación a su universo particular, habitado por pesadillas viscerales que ya se dejaban intuir desde sus balbuceantes comienzos en el arte cinematográfico.
David Lynch llegó al cine como un modo de
expandir sus pinturas y dibujos. Quería darles movimiento y generar así más impacto
visual. Así, se topó con una primera y rudimentaria cámara para darle vida
a sus creaciones, para posteriormente encontrar en el celuloide una forma de
expresión más intensa, completa y que lo convertiría en el admirado y venerado
cineasta de la actualidad.
Sus trabajos en el cortometraje son
variados, desde sus comienzos toscos pero impactantes, en los que ya se aprecia
el común denominador de sus historias, hasta trabajos de encargo en los que
saca el máximo partido a sus obsesiones y fascinaciones. La importancia del sonido,
del plano cuidado, de las imágenes subyugantes de sus trabajos en el
largo como en ‘Cabeza borradora’, ‘Terciopelo azul’ o ‘Mullholand Drive’, ya se
anticipan en sus inicios con algunos cortos que bien merecen experimentarse.
Vamos a repasar algunos, como forma de aproximarnos al fascinante y peculiar universo
lynchiano.
- ‘Six Men Getting Sick’ (1967)
Hoy se considera su primer cortometraje, pero en
realidad es el montaje que ha perdurado de un trabajo artístico con el que ganó
el certamen anual de la Academia de Arte de Pennsylvania donde estudió en su
juventud. Vemos seis hombres enfermando, con una repetición cíclica de un mismo
proceso, acompañado del sonido percutante de una sirena de fondo. Como digo, no
se trata de un estricto cortometraje, pues no fue concebido como tal, pero
tenemos la suerte de que se alzase con el premio y perdurase hasta hoy.
- ‘The Alphabet’ (1968)
Gracias al premio conseguido con el anterior
trabajo, Lynch descubre el poder del cine y adquiere una rudimentaria (y
estropeada) cámara con la que graba un cortometraje que ya va tomando más forma
cinematográfica. Intercalando imágenes reales con sus ilustraciones, intenta
mostrar la pesadilla del aprendizaje del alfabeto. Su mujer, por aquel
entonces, fue la protagonista, y a pesar de su ruda realización, encuentra en
el sonido un enorme apoyo a la fuerza de sus imágenes expresionistas con tintes
surrealistas, que posteriormente seguiría explorando.
- ‘The Grandmother’ (1970)
Uno de mis favoritos y, sin duda, ya su primer
trabajo más reseñable. Gracias a su incipiente pero llamativo inicio, Lynch
alcanza una plaza en el American Film
Institute, que le
otorga 5.000 dólares de adelanto para la realización de un trabajo. Previa
entrega de un guión, que escribió sin la forma propia del mismo, sino un
desarrollo en ocho páginas de su idea, pudo disponer de más medios para grabar
la historia de un pobre niño, reprochado por sus padres, que quiere tener una
abuela a la que querer y la consigue plantando una semilla que se encuentra. En
sus 30 minutos ya se encuentran sus principales características de estilo. Notable
trabajo en el sonido envolvente que otorga mayor fuerza, si cabe, a las
imágenes.
- ‘The amputee’ (1973)
Durante una crisis sufrida en el largo proceso de
rodaje, con interminables pausas por falta de presupuesto, de ‘Cabeza
borradora’, Lynch logró el favor de poder grabar un breve corto en dos cintas
de vídeo distintas, a modo de prueba para el AFI. Son dos tomas casi idénticas,
con plano fijo en el que vemos a una mujer sentada en un sillón con las piernas
amputadas y mientras escribe una carta, o una especie de diario, donde repasa
sus sentimientos, un enfermero (el propio Lynch) aparece en el plano, de
espaldas, y le cura las heridas torpemente. Tanto que de una de las
amputaciones brotan fluidos. Breve pero impactante.
- ‘The Cowboy & The Frechman’ (1987)
Resulta una curiosa incursión de Lynch en la
comedia. Fue un encargo para un programa de televisión que pretendía mostrar
como algunos cineastas veían a los franceses. En principio rechazado pero tras
una breve reflexión, el propio director quiso explotar dos clichés en uno y el
resultado es una alocada y surrealista comedia, en la que unos cowboys se topan
un francés al que no entienden. Se suceden situaciones rocambolescas, ambiguas
y de lo más estrambóticas con números musicales incluidos. Muy curioso.
- ‘Premonitions following an evil deed’ (incluido en la película ‘Lumière et compagnie’, 1995)
Este cortometraje de 55 segundos de duración
también fue un encargo que se realizó a varios directores con motivo del
centenario del nacimiento del cine. Así, tenían la oportunidad (con algunas
restricciones impuestas) de grabar con la cámara de los Lumiere, sin sonido y
con la película tratada como hacía un siglo. El resultado es puro Lynch, pocos
segundos para contar una historia de lo más inquietante.
Estos cortos se pueden encontrar reunidos en un DVD
editado recientemente en nuestro país, aunque fueron recopilados y comentados
por el propio Lynch en 2002. ‘The short films of David Lynch’ es una joya para los que quieran conocer más
sobre el artista y recomendable en pantalla grande y sonido elevado, para
disfrutar de la experiencia. Otros muy interesantes son:
- ‘Darkened room’ (2002)
Realizado en 2002, se trata del primer cortometraje
que David Lynch ingenió para su página web (que desde entonces es el epicentro
de gran parte de su creación), rodado completamente en vídeo digital. En el
mismo vemos a una chica en una habitación oscura, primero es una oriental que
habla sobre ella y luego, en un plano fijo, vemos entrar otra chica que habla
desafiante a la misteriosa. Intriga marca de la casa.
- ‘Absurda’ (2007)
Otro cortometraje que no quería dejar escapar la
ocasión de comentar es este breve pero interesante trabajo. Fue realizado en
2007, para presentarlo en el Festival de Cannes. En el mismo, vemos una escena
con una sala de cine donde se representa una habitación donde hay una persona,
unas tijeras a medio plano y escuchamos la voces de un chico y una chica que
comentan sobre una bailarina. Misterio concentrado en sólo dos minutos.
También resultan especialmente curiosos sus
trabajos en el campo publicitario, en el que siempre ha tenido reconocido
prestigio y ha deparado piezas llamativas. Pero, lo dejamos para otra ocasión.
lunes, 23 de julio de 2012
Ken Jacobs "Day and nigth"
"La ficción revela la verdad de que oculta la realidad"
Ralph Waldo Emerson
Ralph Waldo Emerson
Louis Delluc 1890-1924
(Cadouin, 1890 - París, 1924) Dramaturgo,
periodista, crítico literario y director cinematográfico francés. Se dio a
conocer por una serie de trabajos periodísticos juveniles sobre cine. A partir
de 1917 se convirtió en uno de los principales analistas teóricos de las
primeras películas francesas, y quedó encuadrado en el grupo generacional de
jóvenes cineastas formado por algunos nombres tan relevantes como Abel Gance,
Marcel L'Herbier, Jean Epstein y Germain Dulac. Entre todos ellos, el escritor
y periodista de Cadouin se convirtió en la cabeza teórica del grupo.
Autor de varias obras y libretos teatrales de
desigual interés, Louis Delluc transformó algunas de estas obras en material
cinematográfico; es recordado por algunos ejercicios de estilo tan interesantes
como los filmes titulados Le silence (El silencio, 1920) y La
femme de Nulle Part (La mujer de Ninguna Parte, 1922), así como por
el drama psicológico Fièvre (Fiebre, 1921), que desde su estreno
fue considerado como una de las obras más representativas del naturalismo en el
cine francés. Además, en 1924 estrenó otra interesante película, L'inondation
(La inundación, 1924).
Aunque el formalismo postulado en la teoría y
practicado en sus realizaciones por Delluc y L'Herbier se alejaba de las
propuestas más vanguardistas de Gance y Epstein, lo cierto es que el teórico
del grupo supo aunar a todos estos cineastas franceses (y a algunos otros
foráneos, como el español Luis Buñuel) para que, siguiendo sus líneas de
trabajo, aprovecharan los nuevos descubrimientos formales que lograban
distanciar el cine del teatro hasta otorgar carta de naturaleza propia a la
creación cinematográfica. Louis Delluc influyó también decisivamente a la hora
de inducir a todos sus compañeros de generación a buscar nuevas formas de
expresión que dieran cabida al automatismo inconsciente propio de las
corrientes vanguardistas que dominaban la poesía de la época. La importancia de
toda su labor cinematográfica ha sido reconocida en Francia con la creación de
un premio que lleva su nombre, destinado a los mejores directores del momento.
martes, 3 de julio de 2012
"Conquista de lo inutil" W.Herzog
Para los que han viajado a piè, han mantenido el orden en un
prostíbulo o han sido celadores de un asilo mental (....) en resumen,
para los que tienen sentido poético. Para los peregrinos. Para los que
puedan contar un cuento a un niño de cuatro años y mantener su atención,
para los que sienten un fuego en su ineterior.
jueves, 14 de junio de 2012
Koji Yamamura y "Mt.Head"
Y digo que es un cineasta a descubrir por el gran público, que en el mundillo del cine de animación, Koji Yamamura
tiene un nombre de prestigio, a la estela y el nivel del gran Miyazaki.
Su anime es diferente a lo que solemos esperar, más arriesgado e
impactante visualmente, donde mezcla diferentes técnicas y tendencias
(puntillismo y minimalismo), junto a escultura en barro con figuras
tridimensionales, fotografía, crayola o multimedia. Siempre está próximo
al surrealismo, y sus trabajos sorprenden e impactan. Verdaderamente su
nombre no saltó a la palestra del universo del gran público, hasta que
en 2003 fue nominado al Oscar al mejor cortometraje de animación con ‘Mt. Head’ o ‘Atama yama’, como es conocida esta gran obra y que arrasó por los circuitos de animación de todo el mundo.
Traemos su nombre a blogdecine, no sólo para que le conozcáis, la otra razón es porque en la pasada edición del Animac 2008, 12ª Muestra Internacional de Cine de Animación de Cataluña,
que tuvo como país invitado a Japón y como representante de la
animación de este país vino Koji Yamamura (al que la web del Festival
dedicaba un interesante perfil), y bajo su brazo trajo el cortometraje
que le ha hecho famoso junto a otras obras, algunas de las cuales,
especialmente las últimas, podéis descubrir en la continuación de la
entrada. Además, tiene calentito su último trabajo, ‘A Child’s Metaphysis’,
estrenado el pasado mes de octubre, y que ya empieza a dar que hablar
en los circuitos de animación. E insisto en lo mismo, son cortometrajes
sorprendentes e impactantes.
domingo, 10 de junio de 2012
David Lynch 'Good Day Today'
“ideas
are like fish. If you want to catch little fish, you can stay in the shallow
water. But if you want to catch the big fish, you’ve got to go deeper”
lunes, 16 de abril de 2012
Caitlin Berrigan
Caitlin Berrigan es una artista visual de los Estados Unidos. Su práctica es conceptual, llevados por las cosas materiales: escultura táctil y comestible, de inmersión de instalación, medios electrónicos y el funcionamiento participativo. Su trabajo es impulsado por las relaciones íntimas que tenemos con narraciones entrelazadas de la tecnociencia y la cultura, la molecular, la carga viral, lo grotesco, inquietantes espacios de la responsabilidad del cuerpo y social. Ella está interesada en el espacio poético de desfase producido por la mezcla de crítica social con humor, la ironía, el asco y la ambigüedad.
Berrigan ha presentado su trabajo a nivel internacional, en particular a la Oferta Pública Inicial del Museo Whitney, la tienda de Arte y Arquitectura, la Galería de Chicago 400, Anthology Film Archives y el Centro de Arte Contemporáneo de Tel Aviv. Ha sido conferenciante invitado en el Nuevo Museo de la Escuela de Medicina de Harvard y del Instituto Max Planck. Berrigan recibió una beca Agnes Gund para asistir a la escuela de Skowhegan de Pintura y Escultura (2008) y era un artista en residencia en la Iniciativa de BioArts del Instituto Politécnico Rensselaer (2007). Ella tiene una maestría en artes visuales en el MIT (2009) y una licenciatura del Hampshire College (2004).
Berrigan ha presentado su trabajo a nivel internacional, en particular a la Oferta Pública Inicial del Museo Whitney, la tienda de Arte y Arquitectura, la Galería de Chicago 400, Anthology Film Archives y el Centro de Arte Contemporáneo de Tel Aviv. Ha sido conferenciante invitado en el Nuevo Museo de la Escuela de Medicina de Harvard y del Instituto Max Planck. Berrigan recibió una beca Agnes Gund para asistir a la escuela de Skowhegan de Pintura y Escultura (2008) y era un artista en residencia en la Iniciativa de BioArts del Instituto Politécnico Rensselaer (2007). Ella tiene una maestría en artes visuales en el MIT (2009) y una licenciatura del Hampshire College (2004).
viernes, 13 de abril de 2012
martes, 27 de marzo de 2012
Astral Projection Abduction Fantasy Trailer (2012)
Martin Kohout nació en Praga y vive actualmente en Berlín. Él ha estado trabajando con las instalaciones conceptuales, videos, objetos y participa activamente en la nueva ola de arte en Internet durante los últimos dos años. La primera vez que cobró más importancia en 2006 con una instalación interactiva llamada Ombea que recibió el primer premio en el festival de Lab30 en Augsburgo (Alemania), y posteriormente expuesto en el MAK de Viena (AT). En un principio se estudió cine y ha mostrado sus películas en muchos festivales internacionales. Después de trasladarse a Berlín, Martin ha estudiado en la Universität der Kunst de Berlín, con Alicja Kwade, y actualmente es estudiante en el estudio de Gregor Schneider en la Academia de Bellas Artes de Praga. [www.martinkohout.com]
viernes, 23 de marzo de 2012
Gilles Lipovetsky y la era del vacio/tiempos hipermodernos
Francés de origen polaco, de 54 años, Gilles Lipovetsky es autor de libros como La era del vacío y La tercera mujer, editados ambos por Anagrama. Es juzgado, tanto en Europa como en América, como uno de los mayores filósofos contemporáneos, pero no solamente como un intelectual absorbido por su trabajo académico sino como alguien que es capaz de descender de su torre de marfil y hablar con la gente común de igual a igual, toda vez que trata temas concretos como la moda, el consumo, la libertad, los excesos y otros temas similares.
Los Tiempos
Hipermodernos, su último libro editado en español, es una introducción
al pensamiento del autor, además contiene una entrevista con el mismo;
Gilles Lipovetsky retoma su itinerario intelectual, pero aporta un
elemento suplementario: lo 'posmoderno' ha llegado a su fin y hemos
pasado a la era 'hipermoderna'. Esta época se caracteriza por el
hiperconsumo y el individuo hipermoderno: el hiperconsumo absorbe e
integra cada vez más esferas de la vida social y empuja al individuo a
consumir para su satisfacción personal; el individuo hipermoderno,
aunque orientado hacia el hedonismo, siente la tensión que surge de
vivir en un mundo que se ha disociado de la tradición y afronta un
futuro incierto.
Este nuevo libro funciona como el resumen
puntual de los temas que han obsesionado al filósofo francés desde sus
primeros tiempos hasta ahora; El análisis del paso de la modernidad a la
hipermodernidad en las sociedades desarrolladas.
En 1983
publicó La era del vacío, un texto en el que ya están puestos los
cimientos de su visión de la sociedad actual. En dicho libro Lipovestsky
articula los conceptos que le han proporcionado una reputación
intelectual bien ganada: Destrucción de las estructuras colectivas de
sentido, hedonismo, consumismo, tensiones en los individuos y en la
sociedad civil, la seducción como forma de regulación social.
Para
Lipovetsky el desarrollo de la globalización y de la sociedad de
mercado ha producido en estos años nuevas formas de pobreza, marginación
y un considerable aumento de los temores e inquietudes a los que nos
enfrentamos los ciudadanos. Sin embargo, la sociedad hipermoderna no ha
supuesto la aniquilación de los valores. Al contrario, el hedonismo ya
no estimula tanto, la extrema derecha no ha tomado el poder y el
conjunto de la sociedad no ha caído en desviaciones xenófobas y
nacionalistas. La dinámica de la individualización personal no ha
supuesto que la democracia pierda firmeza o se aleje de sus principios
humanistas y plurales. Los derechos humanos siguen constituyendo uno de
los principios morales básicos de la democracia. La dinámica del
individualismo refuerza, en opinión de Lipovetsky, la identificación con
el otro. El culto al bienestar conduce, aunque parezca paradójico, a
que los individuos sean más sensibles al sufrimiento ajeno.
Y
sin embargo debo decir que a pesar de que la obra de Lipovesky es una de
las más apasionantes y certeras sobre la visión del consumo y la
construcción de identidades en este proceso de transformación de la
modernidad, que heredamos del siglo XIX; Pero la visión de Pilles
Lipovestky se puede circunscribir a la realidad de las sociedades
avanzadas, al primer mundo. Es triste afirmar que en nuestro país, lleno
de desigualdades y carencias de todo tipo, solo una minoría ilustrada,
podrían estar llamados para entrar a los nuevos tiempos hipermodernos.
miércoles, 21 de marzo de 2012
James Benning / observar el tiempo
El Lago Michigan, el Gran Lago Salado, el Lago Hiamna, el Lago
Okeechobee, el Lago Pontchartrain, el Lago Rojo, el Lago Champlain, el Mar
Salton, el Lago Powell, el Lago Winnebego, el Lago Flathead, el Lago Goose y el
Lago Moosehead. Trece planos estáticos de diez minutos cada uno con la línea de
horizonte dividiendo la pantalla en dos partes exactas, mitad agua, mitad
cielo. No hay relato, no hay presencia humana directa, tan sólo un barco aquí o
un tren allá; el único protagonista de la película es el paisaje. La que nos
hace James Benning en 13 Lakes es una propuesta esencialmente
contemplativa, sí, pero no basta con tener los ojos abiertos: hay que mirar y
escuchar para comprender.
En la filmografía del cineasta de Wisconsin hay muchas piezas que
responden a una estructura extremadamente cerebral, definida por reglas muy
estrictas. Con Los quiso ofrecernos su particular
visión de la ciudad de Los Angeles mediante 35 planos de dos minutos y medio.
Para Utopia tomó prestado sin permiso todo
el soundtrack de un documental de
Richard Dindo sobre el Che Guevara y lo montó con imágenes desérticas de México y el
sur de los Estados Unidos. En 1977 rodó en su Milwaukee natal One Way Boogie Woogie, un film de sesenta minutos
armado a base de planos fijos de escenarios urbanos y industriales; chimeneas,
coches, edificios y aceras asomaban en una película que pretendía reflejar el
decaimiento de un territorio. Veintisiete años después, el director volvió a los mismos
lugares y repitió la experiencia en un ejercicio fascinante de observación del
paso del tiempo y las transformaciones que trae consigo. En Ten Skies se valió nuevamente de planos
fijos de diez minutos para mostrarnos el cielo que observa desde su hogar en la
pequeña villa de Val Verde, en California. Diez cielos afectados por las
condiciones atmosféricas y ambientales de las tierras que se extienden por
debajo de ellos; diez secuencias que nos regalan una inspiradora reflexión
sobre nuestra relación con la naturaleza.
James Benning combina una intensa voluntad de analizar el valor de la
imagen y la narrativa fílmica, con elementos mucho más íntimos y personales
relacionados con su propia experiencia biográfica (de ahí el retrato incansable
de los escenarios que ha conocido a lo largo de su vida) y con su concepción
estética, incluso poética, del paisaje y de su contemplación, entendida como un
ejercicio intelectual y emotivo. En sus películas nos obliga a mirar y a
escuchar, consciente de que cualquier escena puede ser apasionante si le
dedicamos la suficiente atención. Pero mirar y escuchar no es un
entretenimiento intrascendente y banal. Para Benning mirar y escuchar es un
acto político, pues la
forma en que percibimos el mundo refleja inevitablemente nuestros prejuicios
como individuos.
Cineasta radical, independiente y vanguardista, James Benning vive
completamente apartado del sistema comercial y no parece tener tampoco mucho
interés en dar a conocer masivamente sus trabajos, que ni siquiera han sido
editados en DVD, y pese a ello hoy por hoy es una figura venerada en todo el
planeta, objeto de atención de los festivales abiertos a las producciones menos
ortodoxas (BAFICI, FICCO). El Museo del Cine de Austria
acaba de dedicarle una completísima
retrospectiva que
incluyó también sus trabajos de los 70, piezas de dos o tres minutos en muchos
casos que apenas han conocido difusión. En el ciclo se proyectaron sus dos
nuevas películas, Casting a glance, que rinde tributo al Spiral Jetty del artista Robert Smithson, y RR, que recorre Estados Unidos
entre caminos de hierro y trenes que pasan.
En España la veda la abrió en 2006 el Zinebi y el Museo Guggenheim de Bilbao,
pero en cualquier caso sigue siendo un director extremadamente poco conocido,
cuyas películas (y sólo unas pocas) circulan de mano en mano transmitiendo
asombro pero también la insatisfacción de no poder acercarse a ellas en las
condiciones que serían deseables. Dejamos para otro momento el absurdo debate
sobre cuál es el lugar apropiado para la exhibición de un cine tan atrevido y
experimental como el de James Benning, si los museos de arte contemporáneo o
las filmotecas, porque el verdadero problema es que ni unos ni otras suelen
arriesgarse a programar esta clase de obras.
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